서울예술대학교 예술창조센터가 주관한 멀티미디어 융합 퍼포먼스 〈Changing Tides〉는 2019년 한국문화예술위원회 ARKO 「Art & Digital Tech」 지원사업의 일환으로 제작되었다. 작품은 한국과 미국이라는 서로 다른 공간을 실시간으로 연결하는 텔레마틱(Telematic) 기술을 기반으로, 양국의 예술가들이 만들어내는 음악과 영상, 퍼포먼스를 하나의 확장된 무대 안에 결합하였다.
〈Changing Tides〉는 위기에 놓인 지구를 위한 일종의 진혼곡인 동시에, 죽음에 대한 애도를 넘어 윤회와 환생, 새로운 생명의 순환을 기원하는 ‘생명 굿’의 형식을 취한다. 죽음을 앞둔 존재의 생명을 기원하는 산진오귀굿의 구조를 바탕으로, 지구를 단순히 위로하거나 애도하는 것에서 나아가 소멸 이후 다시 이어지는 생명의 탄생과 순환을 이야기한다.
서로 멀리 떨어진 한국과 미국의 공연자들은 네트워크를 통해 하나의 시공간 안에 공존하며, 과거와 현재, 미래를 잇는 하나의 퍼포먼스를 만들어냈다.
공연에는 네트워크 기반 영상 제어, 실시간 프로젝션 매핑, LED 미디어, 공간 인식 센서 등의 기술이 활용되었다. 이러한 기술은 단순한 무대 효과가 아니라 물리적으로 분리된 공간과 시간, 그리고 음악과 영상, 신체의 움직임을 하나의 경험으로 연결하는 매개로 기능하였다.
김정환은 본 프로젝트의 영상 디렉터(Video Director)로 참여하여 무대 디자인 및 설계, 인터랙티브 영상 프로그래밍, LED 제어 시스템 인터페이스 개발을 담당하였다.

〈Changing Tides〉 was a multimedia convergence performance organized by the Art Creation Center of the Seoul Institute of the Arts and produced in 2019 as part of the ARKO “Art & Digital Tech” support program of the Arts Council Korea. Based on telematic technology connecting Korea and the United States in real time, the work brought together music, visuals, and performances by artists in both countries within a single expanded stage.
〈Changing Tides〉 functioned as a kind of requiem for a planet in crisis, while also taking the form of a “ritual for life” that moved beyond mourning toward ideas of rebirth, reincarnation, and the circulation of life. Drawing on the structure of a Korean shamanic ritual that prays for life in the face of death, the performance addressed not only loss and consolation, but also the possibility of renewal and the continuing cycle of life.
Performers located in Korea and the United States were connected through a networked environment, allowing them to coexist within a shared performance space and form a single work across physical distance.
The performance incorporated network-based video control, real-time projection mapping, LED media, and spatial sensing technologies. These technologies functioned not simply as stage effects, but as a means of connecting separate spaces, moving bodies, sound, and image into one integrated experience.
Kim Jeong Hwan participated as Video Director and was responsible for stage design and technical planning, interactive visual programming, and the development of the LED control system interface.

〈Changing Tides〉의 무대는 미국의 재즈 연주자들과 한국의 국악 연주자들이 서로 다른 장소에서 실시간으로 연결되어 하나의 공연을 완성하는 동시적 협연의 구조를 공간적으로 드러내는 데에서 출발했다. 물리적으로 멀리 떨어진 두 지역의 연주자들은 네트워크와 텔레프레즌스 기술을 통해 하나의 무대 안에 공존하며, 서로 다른 음악적 전통과 시간, 공간을 넘나드는 즉흥적이고 동시적인 연주를 만들어낸다.
공간 구성에서는 기존 극장의 무대와 객석의 관계를 뒤집었다. 원래의 객석을 연주자들의 무대로 사용하고, 관객은 기존 무대의 위치에서 자신을 둘러싼 연주와 영상을 전방위적으로 경험하도록 설계하였다. 한국의 실제 연주자들과 미국의 연주자들이 등장하는 영상은 계단식 객석을 따라 지그재그로 교차 배치되며, 원격 연주자의 영상은 실제 연주자보다 높은 위치에 떠 있는 듯 배치하여 물리적 거리와 중력의 제약에서 벗어난 음악적 움직임을 표현하고자 했다. 전체적인 높이와 깊이의 변화는 하나의 파동과 같은 공간적 리듬을 형성하며, 음악이 시간 속에서 만들어내는 주기성과 움직임을 공간의 구조로 확장한다.
미국 연주자들의 영상은 알루미늄 프레임 뒤의 프로젝션 필름에 투사되고, 한국의 실제 연주자들은 막이 없거나 투명한 막을 가진 동일한 형태의 프레임 뒤에서 연주하도록 계획하였다. 이처럼 실제 신체와 영상 속 신체를 동일한 프레임 안에 배치함으로써 실재와 이미지, 한국과 미국, 현재와 원격의 공간적 차이를 하나의 시각적 형식 안에서 연결하고자 했다. 통일된 프레임은 서로 다른 장소와 시간을 관통하는 공통의 단위가 되어, 분리된 연주자들이 하나의 협연을 이루고 있음을 강조한다.
계단식 객석은 하나의 거대한 오선지처럼 작동하고, 그 위에 배치된 각각의 연주자와 영상은 전체 음악을 구성하는 하나의 음처럼 기능한다. 악기에서 발생하는 음높이와 강약 등의 정보는 컴퓨터를 통해 처리되어 프레임을 감싸는 LED와 후면 영상의 변화로 연결된다. 이를 통해 각 연주자의 음색과 음악적 움직임이 빛과 이미지로 시각화되고, 전체 무대는 음악에 따라 움직이는 거대한 악보 또는 오르골과 같은 인상을 만들어낸다.
악기와 연주자의 배치에는 동양의 오행과 서양의 원소 체계, 그리고 동양의 5음 음계와 서양의 7음 음계를 중첩시키는 상징적 구조를 적용하고자 했다. 각각의 음과 위치에 물·나무·불·흙·쇠 등의 원소적 성격을 부여하고, 여기에 공기와 에테르의 개념을 더해 각 속성을 드러낼 수 있는 악기와 연주자를 대응시켰다. 이는 미국의 재즈와 한국의 국악이라는 서로 다른 음악적 체계가 대립하는 것이 아니라, 서로 다른 방향에서 상대를 향해 움직이고 교차하며 하나의 순환을 이루는 구조를 표현하기 위한 것이었다.
후면의 스크린에는 음악에 반응하는 추상적 이미지와 함께 대기오염, 해수오염, 지구온난화 등 공개된 실시간 환경 데이터를 시각화한 영상이 나타난다. 이러한 데이터는 단순한 정보 전달을 넘어 공연의 음악적 흐름과 결합되어 현재 지구 환경의 상태를 감각적으로 드러내는 시각적 재료로 기능한다. 서로 다른 국가와 지역이 결국 하나의 바다와 땅, 하나의 환경을 공유하고 있음을 보여주며, 자연의 파괴를 특정 지역의 문제가 아닌 하나의 연결된 지구적 문제로 바라보도록 한다.
이러한 무대와 영상의 구성은 〈Changing Tides〉가 지향하는 생명과 순환의 개념과 연결된다. 동양과 서양, 재즈와 국악, 실제와 영상, 서로 다른 공간과 시간이 반대편에서 서로를 향해 움직이며 하나의 흐름을 형성하고, 그 안에서 음악과 빛, 이미지, 데이터가 지속적으로 생성되고 변화한다. 공간과 시간 역시 고정된 축이 아니라 끊임없이 회전하고 순환하는 과정의 일부이며, 연주자와 관객 또한 그 흐름 안에 함께 참여하는 존재로 설정된다.

〈Changing Tides〉 was conceived as a spatial expression of a simultaneous collaboration between American jazz musicians and Korean traditional musicians performing from different locations in real time. Through networked telepresence technology, performers separated by great physical distance were brought together within a single performance environment, creating an improvisational and synchronous musical experience that moved across different musical traditions, spaces, and temporalities.
The spatial design reversed the conventional relationship between stage and audience. The existing auditorium seating was transformed into a performance area, while the audience occupied the original stage and experienced the musicians and projected performers surrounding them from multiple directions. Korean musicians performing live and projected images of American musicians were arranged alternately in a zigzag configuration along the stepped seating. The remote performers were positioned at greater heights, appearing to float above the space and emphasizing a sense of musical movement liberated from physical distance and gravity. Variations in height and depth created a wave-like spatial rhythm, extending the periodicity and movement of music into the architecture of the stage.
Images of the American performers were projected onto translucent projection surfaces mounted within aluminum frames, while the Korean musicians performed behind frames with either no surface or highly transparent material. By placing physical bodies and projected bodies within the same visual framework, the design sought to connect distinctions between presence and image, Korea and the United States, and physical and remote space. The repeated frame became a common visual unit traversing different locations and temporalities, emphasizing that geographically separated musicians were participating in a single collaborative performance.
The stepped auditorium functioned metaphorically as a large musical staff, with each performer and screen occupying the space like an individual note within a larger composition. Musical information such as pitch and dynamics was processed computationally and translated into changes in the LEDs surrounding each frame and into the projected imagery behind the performers. In this way, the timbre and musical movement of each instrument were extended into light and image, allowing the entire stage to take on the appearance of a large-scale moving score or, at moments, a musical box.
The arrangement of instruments and performers also incorporated a symbolic system combining the Eastern Five Elements with Western elemental concepts, as well as overlapping the Eastern pentatonic scale with the Western seven-note scale. Specific elemental qualities were assigned to individual notes and spatial positions, and instruments were selected and placed according to their ability to embody these characteristics. This structure was intended to represent American jazz and Korean traditional music not as opposing systems, but as traditions moving toward one another from different directions, intersecting and forming a continuous cycle.
The rear screens presented abstract imagery responding to the music together with visualizations derived from publicly available real-time environmental data related to air pollution, marine pollution, and global warming. Rather than functioning simply as information, these data became visual material integrated into the musical flow of the performance, giving sensory form to the current condition of the global environment. The imagery suggested that geographically and politically separated regions ultimately share the same land, oceans, and ecological systems, encouraging environmental destruction to be perceived not as a local or national issue, but as part of an interconnected planetary condition.
The overall stage and visual system reflected the central themes of life, transformation, and circulation in 〈Changing Tides〉. East and West, jazz and Korean traditional music, physical presence and projected image, and different spaces and temporalities moved toward one another to form a continuous flow in which music, light, image, and data were constantly generated and transformed. Space and time were approached not as fixed axes, but as elements within an ongoing cycle, with both performers and audience participating as part of that shared movement.